VIESCA DE REFLEXIÓN
22 - 23 julio | Bosque de hayas, Tierra del Agua (Caleao), Asturias
2 septiembre - 14 octubre | Galería Solaina (Lugo), Galicia
En medio del ajetreo y el bullicio de la vida moderna, es fácil perder de vista nuestras raíces y olvidar la importancia vital de nuestro entorno natural. A medida que avanzamos en esta era digital, nuestra sociedad se ha ido desconectando progresivamente de sus orígenes. Nos hemos distanciado de la tierra que nos sustenta, de los recursos que nos brinda y de la sabiduría que nuestros antepasados han transmitido a lo largo de generaciones. Por suerte, aún no es tarde para volver a nuestras raíces y aprender de la naturaleza y renovar nuestro respeto por ella.
Esta exposición pretende hacernos recordar que la naturaleza, con su resiliencia y capacidad de regeneración, nos ofrece respuestas y soluciones a los desafíos que enfrentamos como especie. Es hora de mirar hacia atrás, aprender de nuestros antepasados y redescubrir el valor de lo que hemos perdido en nuestra búsqueda de progreso desenfrenado. Invitamos al público a sumergirse en el bosque de hayas de Tierra del Agua, en Caleao (Parque Natural de Redes, Asturias) para redescubrir nuestra conexión perdida con la naturaleza.
En este contexto, nos complace colaborar con la galería lucense Solaina y con la marca de cerveza artesana La Prestosa, entre cuyos ingredientes figura la ortiga. La ortiga, una planta con propiedades medicinales y beneficiosas para la salud, ha sido utilizada desde tiempos inmemoriales por sus cualidades calmantes, antiinflamatorias, analgésicas y cicatrizantes. En nuestros bosques, este recurso abunda de manera casi infinita, y su presencia nos recuerda el inmenso potencial que nos ofrece la naturaleza.
Bienvenidas a esta exposición, un refugio para nuestras almas en busca de sus raíces perdidas.
GEOLOGICAL CRUST
Barro refractario y barro local, costra mineral (porcelana, frita de bórax, carbonato de calcio/ creta praeparata, pulpa de papel, salfumant). 2021.
15 x 15 x 20,5 cm / horneado a 1245ºC
CLARA ÁLVAREZ
Clara Álvarez es una artista plástica e investigadora que trabaja con la escultura y la instalación como lenguajes críticos a través de los cuales relacionarnos con los territorios que habitamos.
A través de técnicas de producción tradicionales y experimentales, explora nuevas narrativas que evolucionen desde una cultura extractiva y antropocentrista hacia una nueva visión que busque integrar las especies con su entorno.
Su trabajo se encuentra en la intersección entre las culturas materiales, el paisaje postnatural y las ecologías sociales como el ecofeminismo. Trabaja desde 2019 desde una práctica artística independiente, combinada con una posición de investigadora no-doctora en el Grupo de Paisaje Cultural (GIPC) de la ETSAM (Universidad Politécnica de Madrid).
WASTELAND
Muestrario de vegetación recogida en la carretera
M-607. Porcelana con papel (vegetación inmersionada).
Varias dimensiones / horneado a 1260ºC
THE VOICE POEMS
Porcelana; poemas de autoría propia escritos en óxido de cobalto bajocubierta. 2021-2022.
Jarrón: 22 x 22 x 24,5 cm / horneado a 1260ºC
Cuchillo: 29 x 7 cm / horneado a 1260ºC
IYÁN CASTAÑO
Maestro de taller especializado en grabado y técnicas de estampación por la Escuela de Artes de Oviedo y graduado en Bellas Artes por la UPV/EHU.
Iyán Castaño es un artista gráfico que utiliza los relieves de la naturaleza como propia matriz para realizar sus obras.
Esta obra, perteneciente al proyecto Sand Ripples, interviene la superficie de las playas durante la marea baja.
Iyán Castaño captura la esencia del poder creativo del mar, desafían el implacable flujo del tiempo, y nos invita a reflexionar sobre la transformación y la fugacidad de la existencia.
ELISE FLORENTINO
Artista dominico-española formada a caballo entre los dos países, primero en la Escuela de Arte de Oviedo y después en la Escuela de Diseño de Altos de Chavón, en la rama de Bellas Artes.
Trabaja el dibujo, la escultura y la pintura. Destaca la atención al detalle. En su obra prima la importancia de la línea, que da imperfección y expresividad a unas locas composiciones, barrocas e histriónicas.
Esta dualidad se suma a la exploración que Elise realiza del sincretismo de las dos culturas que la han visto crecer. Su obra es una confesión de su subconsciente a su mundo físico, seres fantásticos que no pertenecen ni a lo onírico, ni a lo físico, ni al Caribe, ni a Europa; protagonistas de un mundo en camino, de la Atlántida, de la fusión, de lo mixto. La batalla entre lo nuevo y lo viejo, la guerra y la paz, la pobreza y la riqueza. El futuro o un presente confuso para los niños mixtos sin casa.
TAQUICARDIA
Animación stop motion, 2023
Duración: 30 segundos
TAQUICARDIA
A través de la animación en stop motion y el poema que la acompaña, ‘Taquicardia’ nos cuenta una reinterpretación del mito de “Eco y Narciso” que invita a reflexionar sobre la complejidad de las relaciones humanas, el impacto del estrés y la importancia de enfrentar nuestra propia vulnerabilidad. Nos sumerge en un mundo vacío, de fijación y obsesión, explorando la metamorfosis interna que podemos experimentar cuando nos enfrentamos a situaciones estresantes y rumiantes. Esta obra nos desafía a cuestionar nuestras emociones y encontrar la belleza incluso en los momentos más oscuros.
En ‘Taquicardia’, se invita a la audiencia a sumergirse en un viaje introspectivo, personal, de recordar cagadas. Al explorar el tema del estrés en las relaciones y nuestra conexión con nuestro lado primitivo, esta animación nos llama a reflexionar sobre nuestra propia naturaleza humana y las transformaciones internas que podemos experimentar en el camino a la madurez y a la plenitud.
Con el corazón dividido entre el norte y el sur, María Ortiz es una ilustradora y diseñadora gráfica nacida en Oviedo y afincada actualmente en Córdoba. Por las mañanas dibuja, mientras que por las tardes da clase de diseño gráfico en la Escuela de Arte Mateo Inurria.
Ha ilustrado varios cuentos infantiles y trabajado para diferentes instituciones, incluyendo editoriales y ayuntamientos. Además, cuenta con varias obras personales y publicaciones autoeditadas.
BRENDA RANIERI
“Cuando ves algo por primera vez, es como una explosión y las cosas no se enfocan”, dice Alex Katz.
Así me sentí cuando empecé a pintar. El motor de mi proceso de creación se alimenta de asombro e ilusión. A través de la cerámica y la pintura logro comprender ciertos aspectos primitivos y ancestrales que me habitan. Trabajando con ambos lenguajes encuentro un lugar cómodo para expresarme, jugar, experimentar, disfrutar, investigar, refugiarme o camuflarme. La naturaleza también ama ocultarse. El camuflaje es una adaptación evolutiva que ayuda a ciertos organismos a “desaparecer” en el entorno en el que viven, evitando ser descubiertos. En mi obra encuentro una excusa para hablar del ser y la naturaleza como un todo, un conjunto de átomos buscando sobrevivir. Asimismo, utilizo el acto de la creación como método para la supervivencia, como si mis piezas fueran esos personajes que salen a escena desde mi interior.
Instalación Bailar hasta derretirme
Ese impulso de adentrarme en la totalidad de las cosas visibles e invisibles de la naturaleza, extenderme a lo ilimitado del espacio y prolongarme hacia lo inacabable del tiempo, derretirme.
Esta instalación pictórica alude al sentimiento de querer inmortalizar las vivencias dentro de la naturaleza, tan monumental como inabarcable e infinita, con escenas tan mágicas como efímeras. Poder derretirme y sostenerme en la verticalidad del tronco, o como subraya la poetisa Emily Dickinson: “Poder descansar sobre la erguida columna del propio ser. Qué buena es su certeza en el tumulto o en el extremo”.
Percibo lo que me rodea como un compendio de imágenes que oscilan entre el fuera de foco y la nitidez. Esta sensibilidad se agudiza en un entorno natural, al punto ambicioso de querer abarcarla toda entera.
Algo así como si algunas partículas se hubieran impregnado en mí por instantes, me hubieran teñido la imaginación, me hubieran moldeado como si fuera yo la pieza, me hubieran abierto los poros y derretido la cara. Sensaciones que ahora formarán parte de mi imaginario para refugiarme cuando lo necesite.
La propuesta pictórica está compuesta por tres piezas:
Una tela de lino de 116 x 81 cm teñida con pigmentos naturales y pintada con óleo, spray y pasteles. El tratamiento de la obra alude a la mezcla ecléctica del lenguaje urbano con el de la naturaleza, jugando con los planos nítidos y los fuera de foco a través de diferentes gestos pictóricos. La pieza invita al diálogo sobre si existe un equilibrio posible entre los ritmos de la ciudad y del bosque.
Además, la pieza inicia un proyecto de investigación sobre el paso del tiempo, sobre cómo puede modificarse la obra al estar sumergida en un entorno al que no está acostumbrada interactuar, tanto materialmente como intelectualmente. ¿Percibiremos lo mismo al contemplarla en el bosque y en la galería?
Un mural de cerámica de 4 piezas de 25 x 15 cm c/u modeladas en pasta refractaria, pintadas con óxido y esmalte. Este mural capta algunos movimientos de una planta sometida a la observación a lo largo de un mes, donde fui corrigiendo y añadiendo barro según su transformación me lo iba indicando. Veo a esta pieza como un diario, una memoria de esos instantes breves a los que ahora puedo volver. Me interesa observar cómo convive ese movimiento ahora endurecido con los ritmos blandos del bosque.
Y una escultura de 53 cm de alto, modelada en pasta refractaria, pintadas con óxidos y esmaltes. La escultura remite a un tronco, un torso, al espíritu interno, a ese lugar seguro donde en caso de tormenta siempre encuentro refugio.
TOÍN
Nacida en Avilés en 1961, es Ingeniera Técnica Agrícola y Paisajista.
Se inicia poco a poco en la cerámica, haciendo cursos y aprendiendo de otros ceramistas. En 2019 abre su primer taller en Salinas, que posteriormente traslada a Santa María del Mar donde reside en la actualidad.
Su concepto de la cerámica es trabajar el barro a mano y realizar las piezas una a una, sin utilizar moldes ni torno, lentamente en su taller sin otro sonido que la música que siempre acompaña su trabajo.
El resultado son objetos que se podrían situar en algún lugar variable entre el arte y la artesanía, siendo cada uno de ellos siempre único.
Ha participado en varias exposiciones en Oviedo: Espacio Fase 7 (octubre 2020), Estudio Pablo de Lillo (diciembre 2020 y mayo 2023), así como en dos ediciones de la Feria Nacional de Cerámica Creativa CERO.09 (2021) y CERO.011 (2023).
Instalación Intemperie
La instalación “INTEMPERIE” reúne tres piezas de barro desnudas, cocidas a 1020ºC sin ningún tratamiento de acabado, con el fin de dejar las piezas a la intemperie y permitir al tiempo actuar sobre ellas estableciendo una colaboración artística con la naturaleza que sería coautora de la obra.
El resultado del proceso queda de esta manera fuera del control de la artista, dependiendo enteramente de las condiciones atmosféricas y de la situación de las piezas en el exterior.
Foto: Erika Anes
Nacida en Madrid en 1995, Patricia de Norverto (Unpatrus) se sirve del color para expresar sus preocupaciones y anhelos, así como instantes robados que se diluyen en atmósferas de tonalidades cálidas y frías, viajando entre lo figurativo y lo abstracto. A través de sus ojos percibe un mundo distinto, una realidad transformada que retrata en escenas frescas y vivas.
Su obra es un estudio de las posibilidades que ofrecen las manchas y la importancia del trazo para señalar esa huella o tradición impregnada en cada uno de nosotros; objetos, motivos, estampados o escenas puramente españolas, que rescatan el lugar al que pertenecemos.
Descomponer la naturaleza en colores complementarios para generar un contraste en el espectador.
Cambiar la percepción de lo que conocemos con el fin de generar una experiencia completamente nueva.
El empleo de la ortiga como símbolo característico de la obra.
Nacida en Madrid en 1997, Emejota Villanueva estudió en la ETSAM el Grado en Diseño de Interiores y el Máster en Artes y Profesiones artísticas en SUR (UC3M). Actualmente compagina la práctica artística con los estudios de Grado en Historia del Arte.
En su obra toma como referencia los límites entre el cuerpo y la palabra, indagando en los márgenes de la percepción y relegando la vista a un plano secundario para trabajar desde la piel o el soplido. Así configura parte de su obra, concebida como una tentativa de contacto en la que la palabra y el movimiento corporal siempre están presentes, aunque no en el plano inmediato.
Cuerpo-palabra y cuerpo-cuerpo es el método que sigue para llegar a la plástica. El enfoque actual se centra en el azul y en el verde, dos colores que en función del área geográfica en el que nos situemos adquieren mayor facilidad para desaparecer, para poder ser (o no) nombrados.
NADA Y NADIE
Gelatina, glicerina, almidón de maíz, posos de café, cúrcuma, flores, pimentón, cebolla morada e hilo
72 x 110 cm
Fruto de la mezcla entre su curiosidad científica y su sensibilidad artística, Dido decide experimentar con diversos materiales biológicos, al igual que hacía años atrás en el laboratorio.
Flores, cáscaras de huevo y gelatina, poco más hace falta para montar un laboratorio casero. Una vez que nos familiarizamos con la técnica, podemos pasar a poner a punto el protocolo: se busca la eficiencia orgánica, la experimentación formal, la inclusión de elementos absurdos y la interrelación entre los objetos.
Biología molecular e historia del arte, una mezcla ecléctica que ha impulsado a Dido a buscar nexos entre las dos disciplinas que más le apasionan.
A lo largo de su doctorado, en el que investigaba el envejecimiento y el cáncer en diferentes modelos animales, sentía que su vida era demasiado cuadriculada y científica; por ello, comenzó a aproximarse poco a poco al arte, para rellenar aquellos huecos que la ciencia no satisfacía.
Tras algunas experiencias previas, en 2021 fundó CERÚLEO, un proyecto de gestión cultural y comisariado en el que buscaba impulsar y visibilizar la labor de artistas emergentes.
